Sasha Gordon é um dos jovens talentos mais atraentes que surgiram no cenário artístico de Nova York – uma artista que alcançou a fama durante o boom pandêmico, mas conseguiu solidificar sua posição com reconhecimento institucional suficiente antes de ser escolhida por uma megagaleria. Apoiado pela primeira vez pelo negociante de Los Angeles Matthew Brown, Gordon se tornou o filho mais novo no ano passado de David Zwinner, que, em uma reviravolta na brutalidade do mundo da arte, também é o sogro de Brown. Com um sistema de co-representação, pode-se dizer que as coisas simplesmente ficam na família.

Chelsea raramente tinha visto uma fila para um jovem artista como aquela que se formou do lado de fora da 19th Street Gallery de Zwirner para a primeira exposição individual de Gordon, “Haze” – talvez rivalizando com a de Salman Toure alguns anos antes. Seu novo corpo de trabalho, desdobrando-se pelo espaço da galeria, confirmou a genialidade de um artista que progredia continuamente em direção ao domínio técnico. Gordon continua a equilibrar esta subtileza com uma narrativa misteriosa e aberta e uma capacidade fascinante de sondar a psique humana, atingindo um nível de universalidade empática que só os verdadeiros mestres podem alcançar.

Após o frenesi daquela semana de abertura, o Observer conversou com Gordon para discutir como seu estilo e domínio técnico evoluíram com sua crescente consciência de sua própria linguagem visual. Ele explica que deseja que suas figuras sejam “atemporais – figuras que você pode encontrar em diferentes narrativas”. Sua narrativa, acrescenta ele, “nasce de uma curiosidade sobre a ambiguidade”, e ele deseja que cada pintura conectada a essa narrativa mais ampla “tenha espaço para questionar”.

Embora continue a usar a tela como plataforma para explorar a identidade, a memória e a herança cultural através das suas lentes diaspóricas asiáticas, Gordon deixa claro que as suas personagens não são estritamente autobiográficas. “Estou deixando de fazer trabalhos que sejam claramente sobre identidade”, diz ele, por isso evita incorporar tecnologia ou roupas que possam vincular suas figuras a períodos ou ambientes específicos. Ainda assim, Gordon admite que se inspira em suas memórias e devaneios, muitas vezes retornando a paisagens familiares como o norte do estado de Nova York. Estas obras contêm ecos de emoções que ele reconhece em si mesmo – recônditos obscuros do subconsciente através da pintura. Afinal, é impossível não projetar pedaços de si e sombras na tela; É através dessa projeção que percebemos e filtramos o mundo. “Um dia, quase me senti mal por uma personagem que estava ficando grisalha e arrancando os cabelos. Ele admite

O que é mais impressionante, especialmente pessoalmente, é o nível de surrealismo de Gordon: a atenção meticulosa aos detalhes que molda cada composição. Há uma clara sensação de planejamento e controle por trás dessa precisão obsessiva, mas esse processo demorado também se torna um exercício meditativo para Gordon – uma forma de confrontar e processar as profundezas e as sombras do mundo interior da psique. “Em termos de processo, posso certamente tornar-me obsessivo, mas estou a aprender a desapegar-me”, reflecte ele, admitindo que o seu hiper-realismo decorre de uma ambição extrema que não deseja suprimir. “Gosto de passar o tempo visualizando minhas composições e renderizando detalhes elaborados.” Para quem olha de perto, as pinturas de Gordon revelam uma profunda alegria no próprio ato de pintar – um fascínio pela materialidade do meio e pelo seu ilimitado potencial narrativo.

Em Demitir (2025), um de seus trabalhos mais surpreendentemente detalhados, Gordon leva o ilusionismo a novos patamares, reproduzindo cada rachadura e arranhão do tanque com estrutura de metal com precisão requintada. Dentro dele, uma mulher é mantida debaixo d’água por outra figura, como se fosse subjugada e reprimida – para manter aquela projeção de sombra submersa abaixo da superfície da consciência.

Nas suas obras, Gordon afasta-se ainda mais das noções tradicionais de beleza, abraçando o que é desorientador para retratar as dimensões cruas e muitas vezes desconfortáveis ​​da experiência humana – tal como Francisco Goya. Ele observou que explorou o registro do medo com mais clareza nesta série. Citando o cineasta sul-coreano Bong Joon Ho, ele disse: “Eu queria fazer uma espécie de série de terror. o host E a infame cena de roer as unhas como inspiração para isso Ainda estava longe (2024). “No geral, acho que há mais brutalidade e violência nessas pinturas do que horror óbvio.”

A aceitação de Gordon lembra os escritos de Roger Caillois sobre a estética do terror – particularmente a sua ideia de que a repulsa é perturbadora porque reflecte a sua própria perturbação. Caillois descreve o grotesco e o monstruoso como uma separação de formas, onde a fronteira entre a beleza e a monstruosidade se rompe, criando um fascínio que é ao mesmo tempo aterrorizante e sedutor. No caso de Gordon, estas imagens dinâmicas animam imagens apanhadas entre o controlo e a dissolução, a compaixão e a crueldade – o seu realismo pictórico serve não como uma fuga, mas como uma intensificação do desconforto, forçando os espectadores a confrontar o significado por detrás do seu desconforto. Ecoando Georges Bataille, o medo e o fascínio são inseparáveis ​​e partilham a mesma intensidade de experiência sensual e violenta. No desprezo, o horror torna-se espaço de reconhecimento.

Suas personagens femininas mais velhas, em particular, parecem inimaginavelmente cruéis e assustadoras – figuras matriarcais que apresentam uma presença feroz e dominante, em vez de ternura. Eles evocam mulheres arquetípicas que exercem disciplina com convicção inabalável. A sua autoridade parece ao mesmo tempo nutritiva e opressiva, reflectindo a lógica de uma geração onde o cuidado e o controlo são inseparáveis, como pode ser visto em paraíso do marido (2025). Quando Gordon começou a série, ele admite que se perguntou: “Quem são esses sósias? E onde exatamente eles estão? De onde vieram e por que estão neste mundo?” Eventualmente, ele percebeu que não precisava saber. “Talvez eles não precisem estar vinculados a detalhes. Talvez sejam alienígenas ou alguma nova criatura humanóide que cai na Terra, e o personagem principal não tem ideia do que está por vir.”

Ao mesmo tempo, estes números indicam uma linhagem de mulheres cuja força reside na perseverança, vigilância e fortaleza moral – qualidades que consideram essenciais para a sobrevivência. As mulheres de Gordon tornam-se excessivas, poderosas e aterrorizantes porque recusam o controle. Ecos de Mary Rousseau O Grotesco Feminino: Risco, Excesso e ModernidadeAqui, o grotesco corpo feminino torna-se um meio de desestabilizar as normas patriarcais e as normas sociais: na figura matriarcal de Gordon, autoridade e monstruosidade são dois aspectos do mesmo instinto de sobrevivência.

Gordon observou que o trio também foi inspirado em arquétipos mitológicos como os Destinos, as Fúrias e as Graças, cada um representando diferentes níveis de vida. “Dei-lhes personalidades diferentes, que podem ser percebidas através de diferentes características como postura, expressões faciais e cortes de cabelo”, diz ela. Através destes ecos míticos – e do arquétipo da “mãe negativa” – Gordon confronta os medos e traumas pessoais que surgem no seu processo. No entanto, a sua viragem para o grotesco abre uma investigação mais profunda sobre a condição humana, incitando os espectadores a enfrentar o desconforto e a repensar os limites estéticos e emocionais. “Minhas pinturas vêm da minha imaginação e as composições de Haze consideram os estados psicológicos de forma mais ampla.”

Na verdade, a atmosfera misteriosa e inquietante destas cenas transcende o trauma individual para evocar a ansiedade colectiva – um eco do mal-estar partilhado do nosso tempo. Isto é particularmente evidente petrificado (2025), uma paisagem desolada e pantanosa – moderna terreno baldio Decadência da civilização. Aqui, Gordon se concentra na manipulação da carne física por meio de diferentes texturas e materiais para expressar o estresse psicológico. “Meus personagens oscilam entre níveis de consciência – entre sentir-se desapegados e presentes”, sugerindo que suas cenas abordam situações universais de fragilidade e tensão emocional. “Às vezes quero que eles se sintam pesados ​​e firmes, e outras vezes quero que sintam que estão derretendo.”

Gordon abraça esta ambiguidade visual, transmitindo a ideia de que a realidade nunca é preta ou branca, mas um fluxo constante de emoções e conflitos – um terreno mutável moldado pela percepção. Seus temas se multiplicam e fragmentam, ecoam, clonam e autorrefletem. Agir como estatísticas Demitir (2025) encenam conflitos com a multidimensionalidade interna usando cenários aparentemente absurdos para processar medos profundos e emoções reprimidas – “o retorno do reprimido”, como Freud poderia chamá-lo. “Minha narrativa nasceu de uma curiosidade sobre a ambiguidade”, reitera Gordon. “Quero que cada pintura tenha espaço para questionar, conectada a esta narrativa mais ampla.”

Em última análise, esta é a essência do trabalho de Gordon: uma exploração destemida e comovente da natureza humana através da pintura – que ressoa com a própria experiência e vulnerabilidade do espectador, deixando espaço para reflexão e empatia para o drama partilhado da existência numa escala limitada de carne e de tempo.

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